- Plot Point -

Sieg Hail Sophie Scholl

2006-10-17T18:21:00.000-03:00

Título Original: Sophie Scholl, Die letzten Tage
Título en Castellano: Sophie Scholl, La Rosa Blanca
Director: Marc Rothemund
Reparto: Bruce Willis, Brad Pitt, Madeleine Stowe, Joseph Melito
Año: 2005
Nacionalidad: Alemania

Probablemente cuando Sophie Scholl vió por fìn la guillotina que aparecìa detrás de esa cortina azul, vino recién a comprender lo serio que era todo el asunto. Quince segundos más tarde, luego de haber sido agarrada por dos guardias y rápidamente colocada en posición, su cabeza yacía en el fondo de la canasta.

Que alguien diga que la historia la escriben los vencedores suena tan cliché como decirle a alguien que la amaremos para siempre. La diferencia entre estas dos frases es que la primera sí es verdadera, por muy trillado que suene. Sophie fué una traidora del régimen nazi y si ellos hubieran ganado la guerra seguiría siendo así y probablemente todos los 22 de febrero se quemarían efigies con su imagen por doquier. Lo mismo hubiera ocurrido si los colonos americanos hubieran perdido la guerra contra los ingleses, o si Napoleón Bonaparte hubiera ganado la batalla de Waterloo. O si Bernardo O'higgins y San Martín hubieran perdido la batalla de Maipú.

El límite entre un líder admirado y uno repudiado es ínfimo, ambigüo y muchas veces pantanosamente invisible. Alejandro Magno ("El Grande") es admirado por haber conquistado todo el mundo conocido de su época. Pero el tipo era un carnicero. Si alguien lo miraba feo, era su fin.

Entonces sólo nos queda juzgar la historia desde un punto de vista personal, juzgando objetivamente los actos que cada sujeto del pasado realizó o no realizó intentando no ser influenciado por análisis históricos. Entonces, ¿Fué Sophie Scholl una heroína o una traidora?

Si por héroe nos referimos a alguien que luchó por sus ideales sin importar las consecuencias, entonces sí. Sophie Scholl es un referente para todos aquellos que creen estar luchando una causa perdida. Es que imagínense, estar en contra de toda una nación, de todo el poder militar y judicial de ésta y ser censurado y acallado. Lo triste es que pareciese que Sophie no calculó las consecuencias de sus actos. Se opuso al régimen nazi con una gran energía, pero esa misma energía la llevó hasta la guillotina; a ella, un amigo y a su hermano.

Ésta es una película que, al igual que con La Caída, explora en retrospectiva los pecados de la nación alemana, contra el mundo y su propio pueblo. No se suaviza nada, es más, el discurso nazi se muestra completamente consecuente arriesgando así que alguien desorientado se tome todo de manera literal y se una a éstas ideas. Pero el fin de éstos films no es satanizar al régimen de Hitler, sino que avergonzar a la misma población por hechos de los cuales fueron responsables al haber apoyado al Tercer Reich intentando de ésta manera que no se vuelvan a repetir. Una especie de terapia de choque.

El parentesco entre ambas cintas es notorio a simple vista. Ambas muestran los últimos días de vida de dos personas completamente opuestas. Ambas están filmadas en manera lineal, casi como un documental, registrando paso a paso los hechos que conducirán al resultado que todos conocemos. Pero a diferencia de La Caída, Sophie Scholl hace más uso del recurso emocional haciendo que en ocasiones la belleza de la música y la manera en que Sophie mira a través de los barrotes, hacia ese cielo azul y claro que representa todo lo bueno por lo que está arriesgando su vida llegue, a fin de cuentas, a entristecer y sobrecoger.

Los que esperan una historia con un final feliz y meloso, fácil de digerir y rápida en su ritmo, deben evitar pensar siquiera en considerarla para verla. Los que, en cambio, deseen ver una historia humana, con personajes imperfectos, mucha injusticia y harto coraje, adelante, ésta está hecha para ustedes.

En definitiva, un memorable tributo a una memorable mujer.

La imagen en movimiento por Jiri Trnka

2006-10-14T01:39:00.000-04:00

Jiri Trnka nació el 24 de febrero de 1912 en Pilsen,Bohemia. Primero empezó como titiritero , su mentor y profesor fue Josef Skupa humorista y titiritero que incentivo a Trnka a seguir en el arte de los muñecos, a la vez, Trnka trabajaba como ilustrador de cuentos

Algunas de sus obras fueron: Sueño de una noche de verano (1960) y Fábulas de La Fontaine (1961) , entre otras.

Jiri empezaba creando una ilustración para luego llevarla al lenguaje cinematografico. Se dice que el cine de Jiri Trinka era el Walt Disney de Europa del Este y las comparaciones no se dejaron esperar, Mientras Disney se volvia reiterativo y poco original su contraparte, con mucho menos presupuesto y mejores ideas, se volvia un referente para quien quisiera dedicarse a la animacion. Trnka es el iniciador del denominado cine checo de animación el cual se gestó en los estudios Barrandov donde una veintena de artistas, inspirados en la cultura y folclor checo, realizaban obras de peliculas en stop motion. Pero Jiri sobresalia de entre sus colegas recibiendo inclusive una distincion en la primera convocatoria del festival de cine de Cannes por su trabajo en "Los animales y Los bandidos" en 1946.

Su primer trabajo fue un cortometraje hecho en 1945, llamado "El abuelo plantó una remolacha" y su primer largometraje lo hizo en 1947 llamado "El Año Checo", ambas obras se basaron en tradiciones y leyendas checas.

Lo que diferencia a Trnka de los demas animadores es que su cine no estaba dirijido especificamente a los niños, algo raro, ya que hablamos de un tipo de peliculas que tiene como espectadores a los niños, pero por el contrario, el cine de Jiri era admirado y contemplado tanto por niños como por adultos. Su cine era de autor, un ejemplo de esto es el cortometraje "La Abuela Cibernética" de 1962 el cual representa una satira a un mundo cada vez mas industrialiszado y tecnológico que deja en segundo plano los sentimientos y relaciones humanas.

Jiri Trnka realizó gran parte de sus obras despues de la segunda guerra mundial en una época difícil para las artes ya que las prioridades eran otras pero al mismo tiempo era el tiempo perfecto para dar a conocer otros puntos de vista, dar otra mirada a la sociedad checa y eso fue lo que hizo con la pelicula "El buen soldado Svejk" de 1955 basado en un libro antibelicista de Jaroslav Hasek en la que se narran la aventuras y desventuras de un soldado de la primera guerra mundial.

Sin duda alguna su mejor trabajo a mi parecer es el de "La Mano" hecho en 1965 este cortometraje fue su último trabajo y en él cuenta la historia de un artista que intenta plasmar en una escultura todos sus sentimientos y aspiraciones y una mano que lo frustra y censura todo el tiempo ... una clara protesta a los estados absolutistas y sus prácticas coercivas con los artistas. Al final, la mano es responsable de la muerte del artista...

Trnka murió el 30 de diciembre de 1969 y luego de su muerte todas las copias de "La mano" fueron confiscadas y no se pudieron ver en mucho tiempo. Algunos dicen que este trabajo representó su "primavera de praga", hecho histórico de 1968 en el cual Alexander Dubcek representaba una direccion a un "socialismo de rostro humano", una serie de reformas como la abolición de la censura, libertad de prensa, etc. Rápidamente las artes florecieron y se vivieron 8 meses de libertad, pero pronto llegaron las tropas de la URSS para censurar y reestablecer el régimen.

Sin duda alguna Jiri es un maestro de los muñecos Un visionario que supo dar identidad al cine de su nación, que se enorgullecía de sus raíces y las daba a conocer por el mundo quizás sin siquiera saberlo, pero lo que sí sabía era que nos regalaba un deleite audiovisual que pocos hacen y que inspiran hasta el dia de hoy a personas tan lejanas a su realidad como yo.

I'm insane, and you're my insanity.

2006-10-13T22:24:00.000-04:00

Título Original: Twelve Monkeys
Título en Castellano: 12 Monos
Director: Terry Gilliam
Reparto: Bruce Willis, Brad Pitt, Madeleine Stowe, Joseph Melito
Año: 1995
Nacionalidad: EEUU

La ciencia ficción es, dentro de todos los géneros cinematográficos, quizás el más sub-valorado. Injustamente, por cierto. Y es que una de las ventajas de este género es el de poder decir muchas cosas mediante el uso de metáforas y alegorías usando una cantidad ilimitada de elementos. Es un punto de vista alternativo de las cosas, ya que más que centrarse en los avances tecnológicos y en cómo estos le cambian la vida a los humanos, vemos que a pesar de todo seguimos lidiando con los mismos problemas inherentes de la conducta humana y que por más que sean adornados con naves espaciales, rayos lásers y máquinas fantásticas, seguirán existiendo.

Es el caso de La Naranja Mecánica, 2001: Odisea en el Espacio, V for Vendetta, Star Wars, Donnie Darko, Eternal Sunshine of the Spotless Mind y The Matrix, entre otras. De hecho, en muchos casos, la "ciencia" en estas películas se usa como una excusa para llevarnos a una realidad alternativa que supera las leyes de la física y la lógica a la que estamos tan acostumbrados creando, así, un universo ideal para el desarrollo de temáticas profundas y con mucho contenido de una manera en que sería imposible tratarlas visual y estéticamente en el mundo real que todos conocemos, lo que permite una explicación más fácil y simple de entender.

En 12 Monos nos transladamos al año 2035. Debido a un virus mortal, desconocido y que mata rápidamente aparecido en 1996 los pocos humanos que quedaron vivos se vieron obligados a refugiarse bajo tierra, formando una sociedad autoritaria y comandada por científicos. Aquí es cuando conocemos a James Cole, un convicto que es forzado a ofrecerse como voluntario en un programa experimental de viajes por el tiempo. Su misión, viajar a octubre de 1996, días antes de que aparecieran las primeras víctimas del virus y reunir tanta información como le sea posible sobre el Ejército de los 12 Monos, grupo al que se le responsabiliza por haber cometido el ataque biológico que mató a más del 90% de la población mundial. Pero algo sale mal y es enviado erróneamente a Abril de 1991, es tomado preso y al contar su historia es enviado a un instituto mental donde conoce a Jeffrey Goines (Pitt) y a la doctora Railly (Stowe).

Ésta es básicamente la historia principal y en ella Gilliam hace uso de todas sus cualidades como director para internarnos en un relato donde se desarrollan a fondo temas como el miedo histórico del hombre por el fin del mundo; el a veces invisible límite que separa la cordura de la locura; la destrucción por parte del hombre de su medio ambiente y sobretodas las cosas, la imposibilidad de dobblegar el destino imponiéndose este sobre todas las cosas, tal maestro de las marionetas que controla todo y a todos. Y es que 12 Monos es una película cíclica ya que al terminar sencillamente vuelve a empezar.

Está filmada de manera epiléptica. Con enfoques de cámara que marean y que rompe el sentido del equilibrio para quien la ve. Algo característico de Gilliam, un maestro en crear escenas caóticas y planos desordenados en donde pueden estar ocurriendo diez cosas a la vez sin que te des cuenta. Al igual que en Brazil y que Fear and Loaham in Las Vegas, Gilliam hace uso de un humor negro que desencaja. Nada extraño en un ex Monty Python.

Bruce willis y Brad Pitt se lucen en sus roles, sobretodo el último quien interpreta a un loco del asilo para nada glamoroso como los papeles que ha encarnado en el último tiempo. Corran a arrendarla.

Bad Motherfucker...

2006-03-21T21:51:00.000-04:00

Título Original: Pulp Fiction

Título en Castellano: Tiempos violentos
Director: Quentin Tarantino
Reparto: John Travolta, Samuel L. Jackson, Uma Thurman, Bruce Willis, Ving Rhames, Tim Roth, Amanda Plummer, Harvey Keitel, Quentin Tarantino, Christopher Walken
Año: 1994
Nacionalidad: EEUU

Si Reservoir Dogs fué un combo en pleno hocico directo desde el mundo del cine independiente, Pulp Fiction fué la patada en la raja final a todo Hollywood.

Tarantino, antes de escribir y dirigir Perros de la calle había escrito dos historias independientes la una de la otra para llevarlas en un futuro al celuloide. Luego de la buena recepción de su primera película en los medios especializados se decidió a completar el proyecto y tras escribir una tercera y elaborar un guión nuevamente con cambios cronológicos y ordenado por capítulos al punto de rozar la perfección se lanzó de lleno a dirigir.

Dos asesinos a sueldo, la esposa del jefe de ambos, un boxeador presionado a participar en un tongo y los restos del cerebro de un negro son los ingredientes que se entrecruzan entre sí para juntos formar una de las mejores películas de los años noventa.

Así como en Reservoir Dogs conocimos la historia de un grupo de asesinos y delincuentes, en Pulp Fiction Tarantino sigue con su obsesión de relatar tramas en donde este tipo de personajes se ven envueltos ( estilo que seguirá durante toda su carrera). Es así como nos adentramos en un universo Tarantinesco en donde se podría decir que todas sus películas ocurren dentro del mismo espacio-tiempo. A modo de ejemplo Vic Vega de RD (Michael Madsen) es hermano de Vincent Vega de PF.

Tras ver ambas películas queda clara la notoria maduración en el modo de dirigir de Tarantino. Pulp Fiction es perceptiblemente más larga y lenta que Reservoir Dogs, pero (y no confundirse), es superior en todo aspecto. Lo que más resalta (y que a la larga se transformaría en una de las marcas registradas del director) es el constante uso de extensos diálogos cotideanos entre los personajes. Sobre este punto hay que valorar también la colaboración de Roger Avery en el guión. Y es que las conversaciones en el universo Tarantiano son tan interesantes y espontáneas que uno realmente escucha con verdadera atención lo que, por ejemplo, un personaje tenga que decir sobre los beneficios de la carne de cerdo.

En Pulp Fiction abundan los protagonistas y los actores secundarios. Y es que pareciese que luego de Perros de la Calle todos en Hollywood querían trabajar con Quentin. Y sin duda alguna la pareja que más resalta es la compuesta por Vincent Vega (John Travolta) y Jules Winnfield (Samuel L. Jackson), quienes se han transformado en un ícono de la cultura pop con sus disparejas, violentas y graciosas personalidades. Y sí, para los que se dieron cuenta, este par de asesinos a sueldo se visten de la misma manera que los otros delincuentes y asesinos a sueldo de Reservoir Dogs, lo que viene a reconfirmar lo anteriormente dicho del Universo de Tarantino.

Un punto aparte completo es la Banda Sonora, como siempre tan precisa y nostálgica al igual que en toda la filmografía de este cineasta. Kool & the gang y Neil Diamond entre otros son los responsables de ambientar escenas que se convertirían en clásicas del cine. Cómo olvidar el concurso de Twist, en donde aquel baile entre Travolta y Thurman aún está pegado en la retina de muchos cinéfilos y no tanto alrededor del mundo.

Siete nominaciones a los Oscars de 1994, entre ellas Mejor Actor (Travolta), Mejor Director y Mejor Película confirman lo que todo el mundo sintió luego de salir de la sala de cine en su exhibición. Pero como es costumbre la Academia siguió su línea políticamente correcta y no se atrevió a premiarla sino que prefirió la melosa y perfecta-película-para-ver-con-la-polola Forrest Gump. Como consuelo recibió el galardón a Mejor Guión (era que no...).

Pulp Fiction es terminantemente lo mejor que ha hecho Tarantino en toda su carrera. Es todo lo que hizo a Reservoir Dogs una película de culto y mucho más. Es más violenta, el humor no es negro, es negrísimo, tiene 100 veces más referencias imperceptibles a primera vista y te entretiene hasta más no poder. Ese año se demostró que no se necesitan millones de dólares para hacer una buena película, sino que solamente para adornarla y se re-confirmó que el peso principal de una buena cinta radica en las actuaciones y en un excelente guión.

De cinco estrellas..... seis.

Asesinos multicolores

2006-03-20T20:55:00.000-04:00

Título Original: Reservoir Dogs
Título en Castellano: Perros de la Calle
Director: Quentin Tarantino
Reparto: Harvey Keitel, Tim Roth, Michael Madsen, Steve Buscemi
Año: 1992
Nacionalidad: EEUU

La opera prima de Tarantino es algo así como una declaración de principios o postulados básicos para toda su carrera futura como cineasta, guionista y productor. Y es que en cada película suya podemos encontrar los mismos elementos que en Reservoir Dogs, o sea, violencia física y sicológica, humor negro, saltos cronológicos (flash-backs), diálogos inteligentemente interesantes y una clara inspiración en filmes clase b y de hong kong.

La trama es simple. Un mafioso reúne a un grupo de desconocidos para organizar "el crimen perfecto", o sea un atraco a un banco. Obviamente todo sale mal y comienzas las aventuras y desventuras de estos perdedores.

Y ya que empezamos a hablar de la trama sería muy irresponsable dejar pasar el punto de la controversia. A Tarantino se le ha acusado de que su primera película es un plagio descarado de "City on Fire", película oriental muy al estilo de las de John Woo en que, justamente el guión habla de cómo un grupo de delincuentes, reunidos por un mafioso planean atracar un banco y todo sale también mal. Una mera coincidencia dirían algunos, el problema es que prácticamente toda la película vendría a ser una coincidencia ya que incluso el final es el mismo. Al respecto de esto hay una página muy interesante llamada The Anti-Tarantino Page que explica todo el enredo. Una lástima que esté en Inglés.

Pero dejando de lado las similitudes de la historia no se puede negar que esta película derrocha talento y un aura de "film de culto" por todos sus costados. Es violenta hasta decir basta. Es graciosa de una manera grotesca. Es cautivante de una forma inquietante pero, lo más importante, es una película entretenidísima. Se la recomendaría a cualquier persona para que la vea inmediatamente después de filmes como "Inteligencia Artificial" de Spielberg, así como para nivelar las sensaciones de nuestro organismo.

No es un film perfecto, ni nada por el estilo. Tiene varios tiempos muertos y la fotografía no acompaña del todo. Pero esa es una gracia extra ya que le da un aire más de naturalidad-cotideanidad-brutalidad. No es para estómagos débiles, sobre todo la parte del policía amarrado en la sillita, escena rankeada por la revista Conozca Más entre las 25 más violentas del cine de masas en el lugar número 15 (para los curiosos la más violenta es el final de Taxi Driver).

Las actuaciones, sin ser geniales, son sobresalientes, sobretodo las de Harvey Keitel y Tim Roth (ambos se repiten el plato en Pulp Fiction). Steve Buscemi comienza su carrera de actor de películas independientes de una manera magistral y Michael Madsen derrocha locura. Hay que destacar que el look con el que estos personajes aparecen en pantalla ha sido emulado por muchos. tal es el caso de la teleserie "Machos" que más que una copia es un tributo a los créditos iniciales y a los caraduras de CQC.

En resumen, Reservoir Dogs, lejos de ser la mejor obra de Tarantino, es quizás la más honesta y directa de todas. Para los que del l'enfant terrible de hollywood sólo han visto Kill Bill, pues no se entusiasmen mucho ya que su aspecto independiente está muy lejos de ofrecer las apoteósicas escenas de pelea de esta última, a cambio disfrutaran de una buena película de bajo presupuesto y quizás comprendan por qué Oliver Stone eligió el guión de Tarantino para su película de 1994 "Natural Born Killers".

Fusión de lentes: fotografiando con Rob Marshall

2006-03-18T03:10:00.000-04:00

Titulo original: Memoirs of a Geisha.
Titulo en español: Memorias de una Geisha.
Dirección: Rob Marshall.
Interpretación: Zhang Ziyi (Sayuri), Ken Watanabe (Presidente), Michelle Yeoh (Mameha), Gong Li (Hatsumomo), Kôji Yakusho (Nobu)…
Guión: Robin Swicord y Doug Wright; basado en la novela de Arthur Golden.
Producción: Lucy Fisher, Douglas Wick y Steven Spielberg.
Música: John Williams.
Fotografía: Dion Beebe.Montaje: Pietro Scalia.
Diseño de producción: John Myhre.
Dirección artística: Patrick M. Sullivan Jr.

Vestuario: Colleen Atwood.
Año: 2005.
País: USA.

Gran parte de nosotros estamos quizás muy lejos de alguna vez siquiera llegar a pisar tierra japonesa. Mucho menos adentrase por esos hermosos fiordos, lagos, mares, y bosques vigilados por ese imponente sol nipón que se levanta sobre la isla. Menos entenderemos a cabalidad lo que significa para un occidental la cultura oriental ligada a un tremendo sentido trascendente en todos sus detalles y formas. Ceremonias como la ceremonia del te, y su importante forma de valorar el tiempo, que no vuela, sino que esta para sentirlo, mirarlo, contemplarlo y sobre todo entenderlo, nos hacen ya disfrutar de manera diferente su forma de pensar y por sobre todo aprender. Es quizás lo mas importante de esta película que nos acerca al Japón de los años 40 , en la que acompañados de una niña entendemos lo que significa realmente seguir un camino de disciplina y por sobre todo de amor. Encausar todo nuestro presente para alcanzar en un futuro aquello que soñamos. En memorias de una geisha entonces nos adentramos en un mundo fascinante lleno de magia, de ejemplo de tenacidad, y consecuencia, en el que es posible soñar cosas grandes, y lograrlas con sacrificio y trabajo. La película en si misma ya es obvia puesto que el referente directo (el libro), ya sabemos como se desarrolla la historia etc., sin embargo la peculiaridad del film radica en como cada detalle, cada fotografía- cuadro, nos muestra lo difícil de convertirse en una Geisha, y de cómo ese mundo rígido descrito en el libro se hace evidente y latente ante nuestros ojos. Las envidias, las traiciones, los desamores y las obligaciones, todos inmersos en una atmósfera única de colores muy bien dibujados en la cinta, que nos hace sentir de manera única la experiencia de Japón. Es en definitiva un film que su importancia no esta en el relato ni en la historia misma, sino en como se muestra ese mundo único de las Geishas y cómo lo que se hallaba guardado en la profundidad de nuestra imaginación florece después de esa “lluvia” (que moja la cara de esas niñas japonesas separadas violentamente y también vendidas) de un momento a otro ante nuestra mirada, y nos encanta en un instante con la música de cuerdas de un shamisen (laúd japonés) que nos reencanta y nos emociona. Quizás una de la escenas mas inspiradas del film , el baile ante los hombres y la niña corriendo entre esos colores naranjos, enfatizan de manera muy clara cual es el verdadero sentido de la película, y resumen el objetivo del film que es deslumbrar al espectador que yace sentado en su butaca.

Felipe Oyarzun

Soundtrack: http://www.soundtrack.net/soundtracks/database/?id=2470

Anti-elipsis en Columbine

2006-03-11T23:10:00.000-04:00

Titulo original: Elephant.
Titulo español: Elefante.
Director: Gus Van Sant.
Reparto: Alex Frost, Eric Deulen, John Robinson, Elias McConnel, Jordan Taylor, Carrie Finklea, Nicole George, Brittany Mountain, Alicia Miles.
Año: 2003.
Pais: USA.

Jefferson, Colorado, Estados Unidos, 20 de abril de 1999, 110º aniversario del nacimiento de Adolfo Hitler: dos jóvenes asesinan a 13 personas y luego se suicidan…

Definiendo la elipsis, como uno de los recursos de tiempo más utilizados en el cine, en el cual se omiten escenas, las cuales asumimos como sucedidas, ya sea por ahorro de tiempo (por excelencia) o intencionalmente, nos encontramos ante una obra que hace lo contrario. Elephant es un hecho corto (el grueso de la obra) pero enriquecido al mostrar diferentes focos de visión, a través de diferentes personajes, en la misma temporalidad, una gran creatividad en el uso de la cámara, con interesantes racords de continuidad, los cuales en un principio son difíciles de vislumbrar.

Llena de travelings que nos van introduciendo al ambiente de la escuela, totalmente analogable con la sociedad actual, cada individuo en su burbuja, muy poca interacción humana, pasillos amplios, casi vacíos.

¿No seria lo mismo repleto de gente?

En fin, Elephant es una película no muy fácil de digerir si no te das una instancia especial, es una película para ver con la mente abierta y minuciosamente en busca de detalles e interpretaciones propias. En el transcurso de la cinta nos introducimos en un día “normal” de la ya citada sociedad actual, donde los prejuicios, burlas, monotonismo, discriminación nos envuelve sin olvidar drogas, anorexia, rechazo social.

Destaca que el film es una ventana a la realidad, no formula ningún cuestionamiento ético al respecto de los acontecimientos, dejando al observador la elaboración de este.

Ambos jóvenes, hartos del entorno al cual hemos convergido, deciden romper la normalidad y desatar su furia acumulada hacia quienes los rodean, convirtiéndose en seres sádicos, planifican con detalle, cronometrando cada paso. Ayudados de la facilidad de acceder a armas en los estados unidos y la indeferencia de parte de quienes los rodean, pasan desapercibidos.

Pequeños detalles, como un polerón de salvavidas que contrasta con lo que de antemano sabemos que sucederá, la toma del cielo, hojas en el suelo, elefantes, Hitler, la tonalidad de los árboles, van enriqueciendo una obra digna de ver y reflexionar. Cada objeto no esta en su lugar por asar, cada uno tiene un significado que entregarnos. ¿Por que es otoño? ¿Porque la imagen de banda sonora?...

Haciendo un link desde nuestro film:

¿Quien juzga tal como se hace a un asesino, el rumbo que a tomado el mundo?
¿Quien juzga el capitalismo, la superficialidad?

Esta bien que estos actos de violencia corrompen la dignidad de las victimas, pero ¿porque esto se ha incrementado en los últimos años?

¿Cuando es el momento de cuestionar la convicción humana?
¿Cuando unos jóvenes vallan más allá, y maten a una ciudad completa?

Cada día, la medicina nos permite vivir más, ¿para que? ¿Para poder trabajar más años? Y nunca detenernos y preguntarnos ¿estoy bien, estamos bien, quien soy, por que estoy aquí?

Desde mi punto de vista las acciones de los jóvenes son el efecto de esta sociedad abrumante.

Para concluir…

El director usa el nombre Elephant de un documental sobre violencia creyendo que hacia alusión a una parábola antigua que hace referencia a unos ciegos que tocando con sus manos un elefante creen estar convencidos de conocer su naturaleza, pero que en verdad nadie puede ver del todo esta ( conectándolo con la violencia, se refiere a la dificultad de identificarla) A partir de esta parábola se hace la película, pero luego el director lee que elephant hacia alusión primariamente a que la violencia es tan fácil de ignorar como el hecho de tener un elefante en el salón.

Soundtrack:

"Piano Sonata No.4 in C Sharp Minor, No. 2 Moonlight - Adagio Sostenuto"Composed by Ludwig van Beethoven.

Mi nombre es Zé Pequeño!

2006-03-02T03:06:00.000-03:00

Título Original: Cidade de Deus
Título en Castellano: Ciudad de Dios
Director: Fernando Meirelles
Reparto: Alexandre Rodrigues; Leandro Firmino; Phellipe Haagensen
Año: 2002
Nacionalidad: Brasil

En un mundo cada vez más adormecido por programas estupidizantes de televisión hay veces en que es necesario, para que la masa salga de ese letargo, una mano salida de la nada y que les pegue una cachetada en la cara como diciendo Despierta!.

Ciudad de Dios actúa como esa mano mágica y divina, que salió de la "nada tercermundista" hacia el mundo de una manera tan laureada que fué casi imposible que el público no le prestara atención.

Y es que a veces estamos tan inmersos en la idea de que "si yo estoy bien, todos están bien", que no nos damos cuenta de que probablemente a nuestro lado, en la siguiente casa de nuestra misma calle, hay un drama increíble tan bien oculto y camuflado pero a la vez tan presente y notorio que se vuelve irresponsable no prestarle atención.

"Cohete" es un niño que se ha criado durante toda su infancia en esta favela carioca llamada Ciudad de Dios, nombre más que irónico para llamar a un lugar en donde pareciese que el último habitante al que se le ocurriese ir a vivir allí es al mismíso Creador. Él ha sido testigo de cómo un sitio para gente humilde y sin mayores oportunidades en la vida se ha ido convirtiendo a lo largo de su historia, en unas pocas décadas, en un núcleo delictual y marginal de escala aterradora. La película nos muestra, a través de los ojos de este joven cómo se mueven las pasiones humanas cuando la marginalidad y la discriminación estigmatizan un lugar hasta convertirlo en algo surrealistamente aterrador, pero real.

El drama de las favelas en Rio de Janeiro es un tema que últimamente ha sido tocado en la prensa. ¿No sabes lo que son estas?, pues déjame explicarte por qué tanto impacto. Imagínate que estás en una playa paradisiaca de Rio. Mujeres por doquier, cuerpos esculturales y mucha alegría. Entonces tomas un taxi, andas 5 minutos arriba de él y te encuentras con el lado opuesto de la moneda. Un lugar donde practicamente no hay calles donde circular, encaramado en un cerro y de fondo, niños de 10 años con ametralladoras bajo el brazo. ¿Tragicómico no?...

Pues bien, esta película es exactamente eso, una fotografía tragicómica. Te ries en algunos momentos pero si lo ves desde otro ángulo, lloras. Y es que el director nos muestra una imagen tan real de los hechos, tan brasileña y tan humana que sencillamente emociona.

Quizás lo mas impactante es que es una historia real, contada por sus propios protagonistas, o mejor dicho, protagonista... y es impactante porque al final, cuando te das cuenta que realmente sucedio casi todo, te preguntas.... ¿cómo es posible que el mundo no haga nada por mejorar esta situación?, ¿cómo es posible que algo tan atroz esté tan oculto?, ¿cómo es posible que tal horror haya estado tanto tiempo oculto a los ojos nuestros?.....

Y la respuesta es sencilla.... sólo ocultándote y censurándote la realidad tal cual es, serás feliz.... no pensante, sino feliz, ya que cuando piensas sencillamente dejas de serlo. ¿Creen que exagero?... Infórmense. Hace un tiempo el alcalde de Rio quería construir un muro alrededor de las favelas para evitar que los turistas tuvieran contacto con ella.... y es que cuando piensas en Brasil piensas en Copacabana... y cuando piensas en Copacabana, dudo que pienses en niños de 12 años adictos a la cocaína...

Como extra del DVD encontrarás un documental que habla de las favelas desde tres puntos de vista distintos. El del Delincuente, el del habitante y el del policía. Un agregado más que interesante si te conmovió el film.

I Got Some Bad Ideas in my Head

2006-02-15T15:45:00.000-03:00

Título Original: Taxi Driver
Título en Castellano: El Taxista
Director: Martin Scorsese
Reparto: Robert de Niro; Cybill Shepherd; Jodie Foster; Harvey Keitel
Año: 1976
Nacionalidad: USA

Taxi Driver es una película simple y directa pero paradójicamente muy difícil de ver y quizás hasta de comprender. Una película que definitivamente no es para todos los públicos, no tanto por la violencia visual que muestra, sino que por su violencia psicológica y por contener un fuerte mensaje intrínseco en ella.

El estereotipo de todo taxista es el de un sujeto conversador y sociable. Travis Bickle es todo lo contrario. Un Ex-Veterano de Vietnam mentalmente inestable que luego de volver de la guerra está intentando volver a adaptarse a la sociedad de la cual debiese ser parte. Pero esta tarea se le complica demasiado.

Travis tiene problemas de comunicación, es introvertido, muy inteligente y le gusta escribir en su diario (probablemente si viviera ahora tendría un blog) . Pero es su incapacidad de relacionarse con las personas de una manera normal lo que lo lleva a caer en una de las peores afecciones del ser humano moderno.

La Alienación. La Soledad. Esta película se hace muy dolorosa cuando uno ha vivido períodos de aislamiento y es que es un retrato fiel de lo que ocurre cuando la única persona que tenemos para conversar durante todo el día es uno mismo. Momentos en que lo único que pasa por nuestra cabeza es la pregunta del por qué estamos solos, por qué no nos podemos adaptar normalmente. Y es cuando comienza un autoanálisis continuo y tortuoso y a falta de respuestas a nuestras interrogantes empezamos a buscar culpables que expliquen por qué no podemos ser felices (o simplemente normales).

En un momento de la película (que es una escena clásica del cine) vemos a Travis sólo en su pieza probando armas de fuego que recién ha adquirido y hablándole a su reflejo en el espejo de una manera prepotente y violenta. Pareciese que el protagonista es un ser malo, un delincuente, una amenaza para la sociedad pero lo más triste es que sencillamente son las circunstancias las que lo han llevado a su estado. Llámese destino.

Y es que Travis a pesar de que lo vemos casi siempre en una actitud desafiante con la autoridad y con el sistema, en el fondo es un ser inocente. Tristemente demasiado inocente. Tanto que no es capaz de distinguir entre un buen trato y un trato incorrecto con las personas y eso produce un rechazo en la gente y en el ambiente que lo rodea. Y esto lo frustra. Y la frustración lleva a la desesperación. Y la Desesperación inevitablemente nos lleva a la violencia y es así como Travis pasa de ser un sujeto tranquilo a una máquina antisocial con ideales apocalípticos.

Esta película prácticamente no tiene momentos en que uno se sienta bien viéndola. y es que Scorsese maneja a la perfección la tensión en el ambiente. Hay partes en que a uno le cuesta ver la pantalla, no porque haya sangre o algo por el estilo, sino que porque sabemos que la situación que se está desarrollando no traerá muy buenos resultados a la vida del protagonista. Y Robert de Niro interpreta su papel de manera sencillamente magistral.

Taxi Driver más que un ensayo sobre cómo la alienación humana lleva a la violencia es un llamado de auxilio y de alerta a todos. Y es que todos somos un Travis Bickle en potencia. Si no me creen acuérdense de Columbine.

Soy la Vida Desperdiciada de Jack

2006-02-15T02:11:00.000-03:00

Título Original: Fight Club
Título en Español: El Club de la Pelea (Latinoamérica); El Club de Lucha (España)
Director: David Fincher
Reparto: Brad Pitt; Edward Norton; Helena Bonham Carter; Meat Loaf
Año: 1999
Nacionalidad: USA

Películas de Culto hay pocas. Películas de Culto nacidas en el Mainstream Hollywoodense... Bueno, nada es imposible.

Estamos frente a un bicho raro del séptimo arte. Un guión elaborado, un humor negro irreverente, violencia innecesaria, efectos de primera (para la época), un presupuesto elevado, actores taquilleros y una escala moral completamente atípica. ¿El resultado?, un fracaso total de taquilla y críticas asesinas.

Una película que transpira testosterona por todos sus poros. Una película imperfecta en muchos sentidos pero que aún así es capaz de crear un fanatismo casi religioso. ¿Cuál es la gracia entonces del Club de la Pelea?, ¿Por qué nos encanta tanto?... Quizás porque despierta en nosotros ese bichito revolucionario de una manera increíble y muy efectista.

Fight Club es una cinta con millones de detalles y probablemente eso es lo que cataloga a una película con el sello de "Culto". Y es que no importa cuántas veces la veas, siempre vas a encontrar un elemento nuevo, algo en lo que no te habías fijado, algo que te sorprende y quizás, algo que cambie el significado que tenías de ésta.

La historia nos muestra la vida del "Narrador" (protagonista sin nombre), un sujeto que vive la vida de manera "normal" a ojos de la sociedad. Es un Hombre que lo tiene todo. Departamento, un gran televisor, un equipo musical de primera, sillones de fino cuero e incluso una peculiar mesita con forma de ying-yang. Su rutina consiste en asistir a diario a su oficina a trabajar en su cubículo de 3x3 para ganar dinero y así comprar todo lo que le falte para "completarse como hombre".

Una mierda.

El Narrador es un hombre hastiado del consumismo que lo rodea y lo consume. Con insomnio crónico y un espíritu vacío. Cansado de copiar el modelo que le imponen porque en la televisión los que siguen ese modelo se ven felices. Un hombre que lo tiene todo, pero que en realidad no tiene nada. Una carcasa vacía con forma humana.

Hasta que conoce a Tyler Durden. Su Antitésis perfecta, su ideal polo opuesto, pero en escencia, un Hombre Libre. Juntos comienzan de a poco un club en donde personas igual de cansados de la hipocrecía y del falso ideal del sueño americano se reúnen a sacar sus frustraciones de la manera más primitiva. A golpe limpio.

Es así como David Fincher (Director) empieza a relatar una de las historias más atrevidas, alucinantes y delirantes que han pasado por las pantallas de un cine normal. Una historia donde sujetos normales intentan a través de la autodestrucción liberarse de las ataduras de un sistema que los reprime, sólo para darse cuenta que ese tampoco es el camino para alcanzar la felicidad, sino que todo lo contrario. A fin de cuentas, no son los puños los que descargan nuestras frustraciones de manera más efectiva, sino que son los errores que aceptamos y los defectos que encaramos los que nos permiten sacar todo lo negativo que hay en nosotros.

Fight Club.... un tema de Rage Against The Machine... pero en 35mm.

Punto de Inflexión

2006-02-15T00:28:00.000-03:00

Bienvenidos.....